МУЗЕЙ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА «ГАРАЖ» ПРЕДСТАВЛЯЕТ ВЫСТАВКУ THE NEW INTERNATIONAL

1 августа – 21 сентября 2014

Феликс Гонзалес-Торрес, Йохан Гримонпре, IRWIN, Пол Кхера, Макико Кудо, Гошка Макуга, Ширин Нешат, Сантьяго Сьерра, Дан Во и проект, посвященный деятельности Александра Бренера, при участии Майкла Бенсона, Казимир Малевич, Джудит Шоневельд, Александра Соколова, Ольги Столповской, Дмитрия Троицкого, Хармен Вербрюгге, Камиля Вершурена и других.

Куратор: Кейт Фаул, главный куратор Музея современного искусства «Гараж»

Выставка The New International продолжает серию проектов Музея современного искусства «Гараж», исследующих эпоху 1990-х как важную поворотную точку в истории мирового современного искусства. The New International представит работы международных художников двух разных поколений, творивших в эпоху масштабных социальных и политических перемен 1990-х годов. Одно поколение авторов – Александр Бренер, Феликс Гонзалес-Торрес, IRWIN, Ширин Нешат, Сантьяго Сьерра, Йохан Гримонпре – к этому периоду уже смогло привлечь внимание общественности к своему искусству, а второе, рожденное в 1970-х гг., – Дан Во, Макико Кудо, Гошка Макуга – только начинало свой путь и формировалось в условиях возрастающей свободы действия и слова, характерной для эпохи 1990-х. Представленных на выставке художников объединяет то, что их становление и творческое развитие пришлось на период глобализации и стирания территориальных границ, повлекших за собой радикальные перемены.

Авторы представляют различные страны, но их художественные практики являются по своему смыслу международными, абсолютно не отражающими местный контекст каких-то конкретных стран. Сопоставляя разные временные пласты и перспективы в своих произведениях, художники знакомят зрителей с различными мировоззрениями. Обращаясь к таким насущным темам того времени, как окончание холодной войны, крах коммунизма, страх перед угрозой терроризма, начало политики идентичности, художники выставки The New International разработали уникальные подходы к созданию своих произведений, которые в совокупности заложили фундамент для нового понимания термина «интернациональный».

Новое понимание «интернационального» начало формироваться в 1990-х годах с распространения по всему миру выставок-биеннале, появления центров искусства и роста мобильности, доступной художникам и кураторам, – как в плане коммуникации, так и в плане передвижения.

Реакцией «новых международных» художников на крупные социальные и политические катаклизмы стало установление новых связей между событиями, действиями и идеологиями. Сочетая языки активизма и эстетики, авторы предпочитают беседу полемике, а их работы поднимают такие вопросы, как гендерные отношения, национализм, социальная принадлежность, экономика, СМИ и критика институций.

В рамках The New International будет издана книга, включающая в себя статьи международных экспертов, исследования, интервью с художниками и другие материалы, отражающие всю неоднозначность и важность периода 1990-х гг. в художественном контексте.

Участники:

Феликс Гонзалес-Торрес (1957, Куба – 1996, США) в своей творческой практике стирал границы между публичным и частным пространством и информацией, а также между различными социальными моделями, с помощью которых мы познаем мир. Обращаясь как к значимым событиям, так и тем, что остались незамеченными, Гонзалес-Торрес использовал в своих работах кадры мимолетных мгновений, повседневные объекты коммерческой культуры, детали из биографий и примеры социальных противоречий, взятые из СМИ. На выставке The New International представлены три работы художника: «Без названия», 1991–1993 (работа, сделанная в виде рекламного щита и состоящая из двух фотографий птиц, парящих в облачном, сером небе и неизбежно отсылающих к темам свободы и полета); «Без названия (Пара)», 1993 (инсталляция из двух проводов с лампочками, которые при каждом новом представлении работы можно экспонировать по-разному); и «Без названия (Вальдхайм Папе Римскому)», 1989 (один из 55 небольших пазлов с изображением газетной фотографии, на которой Курт Вальдхайм, бывший генеральный секретарь ООН и президент Австрии, известный тем, что долгое время скрывал свою причастность к военным преступлениям нацистов, причащается у Папы Римского; работа одновременно намекает на неоднозначность исторических событий и на хрупкость любого изображения).

Йохан Гримонпре (р. 1962, Бельгия) заслужил международное признание своим фильмом-эссе «наберите И-С-Т-О-Р-И-Я», премьера которого состоялась в Париже в Центре Жоржа Помпиду и на выставке «Документа X» в 1997 году. Фильм рассказывает об истории воздушного пиратства от революционеров, получавших благодаря угону самолетов в 1960-х годах первое освещение в СМИ, до профинансированных государством «чемоданных бомб» в самолетах в 1990-х. Показывая, как рост международного терроризма повлиял на жанр репортажа, художник также размышляет о воздействии на исторический процесс присущего массмедиа слияния реального и мнимого – все это в 68-минутном фильме, в свое время ставшим настоящим открытием для документального кинематографа.

Арт-группа IRWIN была образована в 1983 году в Любляне, Словении, в период, когда страна еще находилась в составе Югославии. Группа, состоящая из пяти художников – Душана Мандича (р. 1954), Мирана Мохара (р. 1958), Андрея Савски (р. 1961), Романа Ураньека (р. 1961) и Борута Вогельника (р.1959), – в 1984 году в Любляне выступила одним из основателей NSK (Neue Slowenische Kunst, «Новое словенское искусство») – творческого объединения, созданного с целью исследования вопросов, связанных с национальным самоопределением Словении. В июне 1991 года Словения стала первой страной, получившей независимость от Югославии, что привело к трансформации NSK в «государство во времени», не имеющее территориальных границ и не основанное по национальному признаку. Одним из первых проектов, возникших в результате этой трансформации, стало «Посольство NSK в Москве». «Посольство» было основано на съемной квартире в Москве в рамках программы Apt-Art International и стало первым проектом в России, установившим диалог между отечественными и восточноевропейскими художниками. На протяжении одного месяца в 1992 году под эгидой формулировки «Каким Восток видит Восток» в стенах этой временной институции проводились лекции, дебаты и перформансы, участниками которых были художники, арт-критики и философы. Проект «Посольство NSK» будет возобновлен в рамках выставки The New International с целью исследования значимости идей, служивших творческой миссией и основой «Посольства», в контексте сегодняшнего дня.

Пол Кхера (р. 1964, Великобритания) – британский дизайнер, фотограф, архитектор и режиссер. В 1990-х годах, сотрудничая с журналом Vogue над запуском российской версии, Кхера неожиданно для себя обнаружил практически полное отсутствие современных кириллических шрифтов. Загоревшись идеей использовать в российском Vogue совершенно новый подход к кириллице, в 1999 году он начал работу над пятилетним проектом под названием Post Soviet. Сблизившись в своей деятельности скорее с субкультурными элементами, чем с мейнстримом, Кхера смог разработать шрифт, представлявший собой современное переосмысление как латинских, так и кириллических букв. Десять лет спустя шрифт Post Soviet, артефакт 90-х гг., будет использован в графическом оформлении выставки The New International.

Макико Кудо (р. 1978, Япония) принадлежит к поколению художников, достигших совершеннолетия в так называемом потерянном десятилетии Японии, в 1990-е годы. Природные и социальные катаклизмы, постоянно выбивавшие из колеи культуру, и без того держащуюся на весьма расшатанных традиционных ценностях, превратили ощущение неопределенности в норму жизни. В лучшем случае это выливалось в сопротивление глобальному капитализму через трансформацию экзистенциальных проблем в потенциал к достижению личной свободы. Эта философия породила новое направление в искусстве, которому арт-критик Мидори Мацуи дала название «микропоп» и к которому, как правило, причисляют Кудо. Ее картины «Менеджер конца света» (2010) и «Мусоросжигательный завод в Огаве» (2010) основаны как на местах, связанных с ее жизнью, так и на ассоциативных воспоминаниях художницы. Изображенные на них магические и в то же время банальные пейзажи порождают фантазийные, мимолетные миры. Яркие цветовые поля и экспрессивные мазки, чем-то напоминающие Поллока, Моне и Руссо одновременно, художник сочетает с классическими японскими символами и персонажами, похожими на героев манги. В своих работах Кудо создает образы несуществующих мест, которые, как намекают названия обеих картин, и манят, и отталкивают зрителя.

Гошка Макуга (р. 1967, Польша) создает свои работы в различных техниках, включая инсталляцию, скульптуру, кинематограф, фотографию, архитектуру, коллаж и гобелен. Часто затрагивая темы, связанные с политикой, социологией и этнографией, работы Макуго также отсылают к личности самого художника, который является участником критики кураторской и архивной практики. Созданная в 2012 году для выставки dOCUMENTA (13) работа «Что есть, то есть, а чего нет, того нет – 2» представляет собой два черно-белых гобелена с фотографическими изображениями. Гобелены отсылают к традициям XVI века, согласно которым подобного рода масштабные аллегорические произведения включали в себя несколько повествовательных линий, а также сцены различных социальных и политических событий. Первая часть работы Макуги демонстрирует толпу афганцев и европейцев, стоящих перед дворцом Дар-уль-Аман в пригороде Кабула, Афганистан. Эта работа была создана во время деятельности, проводимой художницей для dOCUMENTA в Кабуле, и представлена в Касселе в рамках dOCUMENTA (13). Вторая же часть работы, которая будет показана на выставке в Музее «Гараж», – коллаж, на котором изображены организаторы и участники dOCUMENTA (13), протестующие люди, а также самые различные представители арт-сообщества – все эти персонажи находятся на церемонии награждения премии Арнольда Боде, которой Макуга была удостоена в 2011 году за выдающийся вклад в современное искусство. Подводя контекст исторических событий под исключительно свой субъективный взгляд, Макуга выдвигает тезис: история никогда не будет объективной или полностью убедительной. В конечном счете она использует свой статус художника для выявления роли арт-институций в представлении проблем, относящихся к крупным культурным и политическим вопросам.

Свою юность Ширин Нешат (р. 1957) провела в Иране в относительно прогрессивный период в истории страны. Во время Иранской революции 1979 года Нешат училась в Калифорнии и как человек, вынужденный жить в изгнании, не могла вернуться в страну или увидеться с близкими. С тех пор она постоянно проживает в США. Во время своего первого возвращения в Иран в начале 1990-х Нешат заинтересовалась двойственностью, характеризующей взаимоотношения между политическим и личным, индивидуальным и национальным, вызванной ограничениями, наложенными в стране на свободу выражения и возможности женщин. Воздерживаясь от полемики на уровне посыла, концептуально и визуально в работе «Турбулентность» (1988) – первом отступлении художницы от формата фотографии в сторону инсталляционного искусства – Нешат применяет такие визуальные противопоставления, как черное/белое, женское/мужское, пустой/полный театр, традиционная/нетрадиционная музыка, общество/уединение и рациональное/иррациональное общение. Через эти противоположности автор исследует запутанные психологические и социальные аспекты исламской культуры и жизни мусульманских женщин.

Работы Сантьяго Сьерры (р. 1966, Мадрид) предлагают зрителю критически переосмыслить нейтральность минимализма через фотографию, видеоматериалы, перформанс и скульптуру. Создавая свои работы во многих городах мира, художник приглашает к участию нелегальных мигрантов, проституток, наркоманов и безработных. Как правило, герои Сьерры предстают перед зрителем спиной или вообще остаются вне кадра, тем самым становясь анонимными примерами того, как человеческое достоинство в глобальном мире превращается в экономическую привилегию. Для создания работы «Линия в 250 см, вытатуированная на спинах 6 человек, которым за это заплатили» (1999) шесть безработных жителей Старой Гаваны, Куба, разрешили сделать у себя на спине татуировку в виде одной сплошной линии в обмен на 30 долларов каждому. По сути, этих людей наняли, чтобы они стали произведением искусства, которым является 2,5-метровая линия, складывающаяся, когда участники встают рядом друг с другом. Денежная операция, метафорически олицетворяющая здесь капиталистическую структуру власти, позволила Сьерре создать фотографию, которая теперь циркулирует в мире искусства. Участников, которым в общем не важна специфика труда, в буквальном смысле клеймят на всю оставшуюся жизнь.

Дан Во (р. 1975) покинул родной Вьетнам вместе с семьей во время войны с Камбоджей. Подданным Дании он стал случайно, после того как его и его семью спас датский танкер. Концептуальные произведения и инсталляции Во искусно обращаются к элементам пережитого им опыта в контексте более масштабных исторических, социальных и политических феноменов, тем самым затрагивая вопросы, касающиеся идентичности и принадлежности, авторского статуса, права собственности, а также роли личных взаимоотношений. Проект «Мы, народ» (2011–2014) – точная копия статуи Свободы, выполненная в натуральную величину, но выставляемая исключительно по частям. Работа берет свое название от трех первых слов американской конституции, восхваляющей права человека путем обещаний о воцарении справедливости, покое дома, благополучии и «закреплении благ свободы». Воссоздание одного из самых известных в мире памятников свободе, но по частям, которые никогда не предстанут перед зрителем в совокупности, указывает на невозможность осуществления политических идеалов, которые олицетворяют статую. Сегодня первые три слова конституции звучат скорее как отсылка к лозунгу «Мы – 99%» движения «Захвати Уолл-стрит», нежели как слова, лежащие в основе принципа, утверждающего, что государственное устройство должно формироваться народом.

Александр Бренер (р. 1957, Казахстан, бывший СССР) получил международную известность в 1990-х годах благодаря своим провокационным публичным акциям, проводимым как в России, так и в музеях и на выставках в Европе. Несмотря на то, что Бренер не считал себя частью какого-либо движения, а свои акции не расценивал как некий вклад в дух поколения, он стал известен как представитель московского акционизма, а его деятельность спровоцировала множество дискуссий, возражений и творческих откликов со стороны других авторов, критиков и кураторов. И хотя его участие в жизни «профессионального» мира искусства было весьма непродолжительным (сейчас Бренер занимается по большей части самиздатом, любительскими журналами и словесным искусством, отзываясь об этой деятельности как об «освобождении повседневности»), то же нельзя сказать о его наследии. Вживую его акции видели относительно немногие, но слухи и рассказы, всегда им сопутствовавшие, обеспечили некоторым работам художника легендарный статус. Можно сказать, Бренер стал своего рода мифологической фигурой, чьи заслуги достоверно известны лишь ограниченному кругу людей.

Выставка The New International сосредоточит свое внимание на одной акции Бренера в музее Стеделек в Амстердаме в 1997 году, в ходе которой он с помощью аэрозольной краски нарисовал зеленый символ доллара на картине Малевича «Супрематизм». За эту акцию художника судили и приговорили к непродолжительному тюремному сроку. В свое время это событие вызвало бурные дискуссии на тему нравственности столь радикальных вмешательств и их родства с вандализмом. Многие журналисты отрицали ценность подобных действий, но другие, в том числе главный редактор журнала Flash Art, придерживались мнения, что акция Бренера заслуживает более пристального внимания. Многие художники из Москвы и не только исполнили ответные работы, другие же объединились в поддержку Бренера, пока тот отбывал наказание в тюрьме. В рамках выставки The New International в Музее «Гараж» будут собраны публикации в прессе, произведения, фильмы и другие формы документации с целью анализа влияния, оказанного акцией Бренера на художественное сообщество. Экспонаты представлены при участии Майкла Бенсона, Малевича из Белграда, Джудит Шоневельд, Александра Соколова, Ольги Столповской, Дмитрия Троицкого, Хармена Вербрюгге, Камиля Вершурена и др.

The New International является частью серии проектов «Гаража», рассматривающих период 1990-х годов как поворотный пункт в мировой практике современного искусства. Уже прошедшие проекты: «Реконструкция–1: 1990–1995» и «Реконструкция–2: 1996–2000», проведенные совместно с фондом «Екатерина» и представляющие первое исследование арт-жизни Москвы позапрошлого десятилетия. Среди предстоящих проектов – 89plus RUSSIA, разработанный совместно с кураторами Хансом Ульрихом Обристом и Саймоном Кастетсом в рамках программы «Гаража» «Полевые исследования». Запуск годового проекта, предусматривающего поиск новейшего поколения творческих умов в России, рожденных в 1989 году или позднее, запланирован на период проведения выставки The New International.

 rbanews